Mezcla para principiantes: moldea tu sonido
Consejos para ayudarte a aprender sobre el proceso de mezcla
Si estás empezando a mezclar grupos de tu entorno, o simplemente buscas mejorar la calidad de tus producciones, «Mezcla para principiantes» puede ayudarte a conseguirlo.
Aunque la producción musical ha evolucionado considerablemente gracias a la flexibilidad que aportan los DAWs y la accesibilidad de los equipos de grabación casera, hay algunos principios clave que han funcionado desde se que empezó a grabar música
Los sistemas basados en DAW han recorrido un largo camino desde su creación a finales de la década de 1980,y su popularización a principios de la década de 1990. Si bien el software fue diseñado inicialmente para ser solamente una simulación digital de las consolas analógicas, su concepto se ha ampliado para abarcar el estudio de grabación en su totalidad.
Mezcla para principiantes
Has terminado de grabar y organizar tu canción, pero ¿qué viene después? El arte de la mezcla es un proceso técnicamente complicado cuyo objetivo es transformar una grabación o composición en un disco que la gente pueda consumir en masa.
Como cualquier aspecto de la producción musical, hay reglas que puedes romper. Sin embargo, cubriremos algunos consejos que puedes implementar en diferentes momentos para que te sea más fácil a medida quedepuras tus habilidades de mezcla.
Selección de sonidos
Si estás produciendo música electrónica, la mitad de la lucha de la mezcla se gana seleccionando los sonidos correctos. Antes de comenzar el proceso de composición, hay un método con el que que puedes optimizar tu trabajo a la hora de recorrer tu librería de muestras y los preajustes de tus instrumentos virtuales favoritos.
Cuando tengas delante un banco con 100 muestras de bombo, por ejemplo, selecciona las 5 que más te gusten y cópialas en una subcarpeta. Del mismo modo, cuando navegues por una colección de preajustes en un sintetizador virtual, crea una categoría personalizada para los 5 sonidos que es más probable que vayas a usar.
Este proceso puede requerir de unas horas cada vez que añadas nuevos instrumentos y paquetes de sonidos, pero a la larga acelerará tu flujo de trabajo y te asegurará que tus canciones solo contengan sonidos que hayas escuchado previamente. En la producción musical moderna, donde a menudo mezclas a medida que avanzas, tu habilidad de selección de muestras y sonido es una parte crucial del proceso.
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Más informaciónEquilibrando niveles
Antes de aplicar cualquier ecualización o compresión a los instrumentos de la mezcla, equilibrar los niveles de cada canal es el punto de partida para mezclar cualquier disco. En un entorno basado en DAW, es importante distinguir entre los faders de canal y la ganancia de clip de audio.
Una forma fácil de diferenciar a los dos es saber dónde estás aumentando el umbral de ruido. Al aumentar la ganancia de cualquier clip de audio, automáticamente aumentarás elumbral de ruido en la misma proporción. En cambio, un fader de canal solo aumenta el umbral de ruido cuando aumentas el nivel más allá del punto de ganancia unitaria.
Con esto en mente, puedes empezar a hacerte una idea de cuándo usar ganancia de clip o faders para lograr una buena estructura de ganancia. Mientras que la ganancia de clip es un nivel más finito que estableces antes de mezclar, los faders son «las teclas de piano» que el ingeniero de mezcla usa para dar forma a la mezcla a lo largo del tiempo gracias a la automatización.
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Más informaciónUso de buses
Uno de los fundamentos de la mezcla consiste en simplificar el flujo de la señal. Una vez que el arreglo de la canción esté completo, podría tener fácilmente más de 100 pistas. Al reasignar las salidas de un grupo de canales a un bus, puedes procesar todos los elementos de tu batería en un canal estéreo, por ejemplo.
Si bien esto no significa que puedas ignorar el procesamiento y los niveles de las pistas individuales, sí te será más fácil hacer rápidamente cambios drásticos en toda su mezcla. Si puedes agrupar tus pistas en menos de 7 u 8 buses estéreo, puedes aislar diferentes áreas para lograr una mejor organización.
Comienza con la batería, luego colocar el bajo, los sintetizadores, las guitarras y las voces en pistas auxiliares separadas. Cuando lo hayas hecho, asegúrate también de asignar los efectos de envío asociados de cada sonido al grupo respectivo al que pertenece. Esto hará, por ejemplo, que puedas comprimir la reverb de tus voces con la señal sin procesar para obtener un sonido más cohesivo.
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Uso de efectos en serie y en paralelo
Ya sean la batería, las voces o las guitarras, cuando estás superponiendo múltiples partes para formar las diferentes partes de tus rreglo, puede ser útil usar efectos en paralelo (envíos) en lugar de en serie (inserciones). Mientras que los compresores y los ecualizadores se utilizan como procesadores en serie, procesos como la reverb, el delay y otros efectos de modulación se pueden utilizar a través de envíos auxiliares.
Esto te permite ajustar rápidamente elementos como la cantidad de reverberación en las sobregrabaciones vocales, para que se separen de la pista vocal principal. Además, puedes especificar la cantidad de reverber que quieras en cada canal de tu batería. Por lo general, esto te dará más control y es mucho más práctico que usar un plugin independiente en cada canal.
Otra ventaja del procesamiento de efectos en paralelo es que puede automatizar con gran precisión. En ciertos géneros como el dub y otros estilos de música electrónica, los retornos de los efectos se tratan casi como un instrumento independiente. Al usar tu DAW con los mismos principios creativos, puedes crear sonidos únicos, a veces incluso sin la intención de hacerlo.
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Mix pockets
Una técnica que puede ser increíblemente efectiva para lograr más definición y claridad consiste en crear lo que se llama «mix pockets»: en lugar de aumentar el rango de frecuencias de los instrumentos que quieres que destaquen, haces lo contrario.
Por ejemplo, cuando mezclas voces, puedes hacer que destaquen asegurándote primero de que nada interfiera con sus rangos de frecuencias. Las voces pueden estar entre 90 Hz y 9 kHz, así que deberás mirar adaptarte al contexto de cada canción con la que trabajes para elegir el rango más adecuado.
Cuando analizas con detalle la melodía vocal y el tipo de cantante que la ha grabado, puedes encontrar su rango ideal dentro de cualquier canción. El siguiente paso será averiguar qué instrumentos pueden oscurecer dicho rango. Recuerda aprovechar el factor Q del ecualizador para realizar recortes más precisos en función del instrumento.
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Más sobre Mezcla para principiantes:
- Guía de Thomann de monitores de estudio
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