Guía básica de mezcla en producción musical: compresión (5 de 10)
La compresión es otro de los procesos vitales de la mezcla musical. Y lo cierto es que también es uno de los más incomprendidos. Y ahora que ya hemos visto cómo ajustar niveles, y hemos ordenado el plano horizontal mediante la panoramización y equilibrado el espectro vertical con la ecualización, la compresión se presenta como la herramienta que nos ayudará a dar cohesión y pegada a la mezcla. Es el proceso mediante el cual controlamos la distancia entre los sonidos más fuertes y los más silenciosos, reduciendo el rango dinámico para que la energía de la interpretación se mantenga firme y consistente. Y al igual que ocurre con la ecualización, la compresión no es una herramienta milagrosa para hacer que todo suene más alto o más gordo de golpe. Su cometido es darle forma a la dinámica de las pistas y actuar como «pegamento» para que todo suene coherente y cohesionado.
Como ya hemos explicado anteriormente, existen diferentes tipos de compresores que brillarán más o menos en función de la tarea que se les exija: Vari-Mu, ópticos, FET y VCA. Y si sigues los enlaces que te hemos dejado en cada uno de ellos, podrás descubrir las peculiaridades técnicas y el comportamiento sonoro específico de cada circuito en los artículos que les hemos dedicado en el pasado. Y si te apetece profundizar un poco más sobre la compresión, este artículo te dará más contexto e información.
La importancia de la compresión en la mezcla
La importancia de la compresión radica en que actúa como el pegamento invisible de la mezcla, fusionando interpretaciones vocales o instrumentales que, debido a la propia emoción de la ejecución, y a otras variables, varían constantemente de volumen y energía. Sin la compresión, una voz solista o una línea de bajo acústico saldrían disparadas en los momentos de mayor intensidad y desaparecerían por completo en los pasajes más suaves, haciendo imposible un equilibrio estable.
Además de nivelar volúmenes, la compresión también se puede encargar de controlar los transitorios, es decir, el impacto inicial y rápido de un sonido —como el golpe seco de una caja o el ataque de una púa contra una cuerda—. Al atenuar esos picos y permitir ajustar el tiempo que tarda el compresor en actuar, podemos decidir si queremos ensalzar la pegada de un elemento o suavizarlo para empujarlo hacia atrás en la mezcla. Esta capacidad para modificar la envolvente temporal del sonido aporta sensación de densidad, grosor y pegada.
Un buen uso del compresor consigue que los instrumentos dejen de sonar como pistas aisladas y comiencen a respirar juntos como una banda interpretando en una misma sala. Es el motor que le da a la música esa consistencia comercial que asociamos instintivamente a las producciones de nivel profesional.
¿Cómo abordar la compresión en una mezcla?
Al igual que dijimos con la ecualización, lo primero que debemos hacer a la hora de abordar las tareas de compresión en una mezcla es huir de esas reglas universales de no pocos tutoriales milagrosos en los que nos invitan a comprimir cada pista por decreto. De hecho, una práctica muy poco recomendable de muchos principiantes es la de cargar un compresor en cada canal y bajar el umbral (o threshold) de forma agresiva solo porque se supone que «hay que comprimirlo todo». Y al igual que sucedía con la ecualización, la compresión debe responder a necesidades reales y justificadas del tema. Además, es importante tener en cuenta que mucho material con el que se trabaja hoy en día —plugins, librerías de sonidos, samples, etc.— ya viene comprimido «de fábrica», así que escucha la mezcla con atención para ver si realmente hay algo que requiera más presencia, más pegada o si detectas transitorios que destacan en exceso.
Antes de girar un solo knob o activar cualquier botón, pregúntate qué problema dinámico exacto quieres resolver en esa pista concreta. ¿Necesitas controlar picos?, ¿quieres añadir pegada y cuerpo a una percusión?, ¿buscas unificar el fraseo de una voz para que se mantenga más estable? Tener claro el «problema» que debe resolver el compresor evita que caigas en el error de aplastar la microdinámica natural de los instrumentos. Cuando se abusa de la compresión sin criterio, la señal pierde sus contrastes orgánicos, el fondo sonoro se eleva de manera artificial trayendo ruidos indeseados y la mezcla entera se vuelve plana y carente de vida.
Por ello, una de las reglas a tener en cuenta al empezar a comprimir es trabajar con tiempos de ataque y release que respeten la naturaleza del instrumento. Un ataque demasiado rápido en una percusión puede destrozar su energía inicial (transitorio), dejándola blanda y sin pegada, mientras que un tiempo de release mal sincronizado con el tempo de la canción creará un bombeo antinatural y molesto. Así pues, es preferible aplicar pequeñas reducciones de ganancia en serie utilizando dos o tres compresores sutiles que destrozar una pista con una única instancia trabajando al límite.
Algunos consejos concretos de compresión
A la hora de trabajar con voces, puede ser buena idea utilizar un primer compresor rápido, de tipo FET por ejemplo, para controlar los picos más agresivos de la interpretación de forma transparente, aunque sin exigirle demasiada carga de trabajo dinámico. Además, como veremos en el próximo artículo, esto también se puede abordar aplicando saturación. Después, un segundo compresor más lento y musical —como un modelo Vari-Mu— nos ayudará a mantener la voz consistente al frente de la mezcla, flotando sobre la parte instrumental sin que se pierda en el fondo pero tampoco destacando de más.
Como es lógico, debido a que son instrumentos con una naturaleza acústica muy particular, las baterías y percusiones necesitan una compresión totalmente diferente. El bombo y la caja suelen agradecer compresores con tiempos de ataque cuidadosamente ajustados; un ataque moderadamente lento (dejando pasar unos milisegundos) permite que el transitorio inicial respire intacto para conservar el golpe natural, mientras que la reducción posterior controla la cola del sonido. Asimismo, enviar todas las pistas de la batería a un bus estéreo y aplicar un compresor de tipo «glue» con una compresión moderada, un ataque medio y un tiempo de reléase ajustada al tempo del tema es una muy buena forma de darle cohesión a toda la percusión y hacer que suene como un bloque unificado y contundente.
El bajo, otro instrumento bastante particular, necesita una compresión firme pero invisible que mantenga el registro grave perfectamente controlado de principio a fin. Un bajo desbocado dinámicamente desestabiliza por completo el suelo de la mezcla y le dificulta mucho las cosas al compresor maestro. Utilizar un compresor con una relación estable y una respuesta rápida asegura que cada nota mantenga la misma energía, dando solidez a la base armónica. Por último, los instrumentos secundarios y colchones de acompañamiento deben comprimirse de manera más ligera o incluso no comprimirse. Esto les permitirá tener cierto espacio y la mezcla se beneficiará de un sonido más orgánico en el que sigue habiendo cierta naturalidad.
El uso del sidechain
Dentro del universo de la compresión, existe una técnica de ruteo que merece su propio apartado en un artículo como este: la compresión de cadena lateral o sidechain. Este método consiste en alimentar la circuitería de control de un compresor utilizando una señal externa distinta a la que está procesando el propio canal. En lugar de reaccionar al volumen del instrumento sobre el que está insertado, el compresor determina su reducción de ganancia en función de lo que ocurre en otra pista de la sesión.
Su aplicación más habitual es el clásico efecto de ducking o «bombeo» entre el bombo y el bajo de la música electrónica y el pop contemporáneo. Al insertar un compresor en la pista del bajo y configurar su entrada sidechain para que la regule el impacto del bombo, logramos que cada vez que este último golpea, el bajo ceda espacio en los graves durante una fracción de segundo. Esto evita que dos de los elementos más pesados del espectro colisionen y se enmascaren mutuamente, consiguiendo que el bombo golpee de una forma limpia sin sacrificar el peso del bajo.
Más allá de este uso rítmico, el sidechain es una herramienta de fantástica para resolver problemas complejos de enmascaramiento, como hacer que un colchón denso de sintetizadores se aparte ligeramente cada vez que entra la voz principal, o apagar sutilmente unas guitarras rítmicas cuando el solista toma protagonismo. No obstante, conviene utilizar esta técnica con control y cierta sensibilidad ; abusar del sidechain buscando un efecto de bombeo constante, evidente y estridente cuando la canción no lo pide romperá la coherencia estética del arreglo y distraerá la atención del oyente.
En resumen
La compresión es una herramienta fundamental para controlar la energía, unificar la dinámica y darle pegada y cohesión a nuestras canciones, completando junto a la panoramización y la ecualización el tridente básico sobre el que se sustenta una mezcla profesional. En la próxima entrega de este especial, veremos cómo añadir carácter, grosor armónico y personalidad a las pistas abordando el apasionante mundo de la saturación.
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